Otello, l’uomo

di Valentina Anzani

Jonas Kaufmann debutta nel ruolo di Otello in una Royal Opera House gremita, nella nuova produzione di Keith Warner.

Londra, 21 giugno 2017 – Chi è Otello? Un eroe, un innamorato, un assassino? A nessuna di queste categorie si può ascrivere l’Otello dell’attuale attesissima produzione alla Royal Opera House. L’allestimento ha suscitato impressioni contrastanti: accanto a un univoco successo per lo Iago di Marco Vratogna, a una direzione entusiasmante di Antonio Pappano e a qualche dissenso per la regia, è il personaggio eponimo debuttato da Jonas Kaufmann a essere decifrato con maggiore difficoltà. Sembra che, per Kaufmann, Otello sia prima di tutto un uomo: come tale è fatto di carne, ossa e sentimenti, impossibilitato a controllare le circostanze, ed è così che il tenore ha caratterizzato il suo debutto sul palco londinese. Il suo è un Otello intimo, ripiegato su sé stesso anche sotto il profilo vocale: attraversa la partitura senza mai impugnarla con risolutezza, ma piuttosto si rifugia nella cupezza del registro grave, in un rilucere brunito nell’acuto con fare introspettivo, se non addirittura trattenuto. È la voce di un Otello che non è presente a sé stesso, succube di un processo di distruzione che lo divora inesorabilmente dall’interno, gli piega le membra, gli distorce il bel volto: orfano delle proprie sicurezze, egli vaga tormentato e perseguitato da riflessi di sé in cui non si riconosce.

D’altronde Marco Vratogna (subentrato a tre settimane dalla prima all’annunciato Ludovic Tézier) è uno Iago rovinoso, vocalmente imperioso, e se a volte il timbro appare leggermente nasale, è funzionale alla delineazione acustica di un malvagio pieno d’invidia. Il vigore della sua forza centripeta non risparmia nessuno: è lui che s’impossessa della scena, e da buon intrigante diabolico istiga Cassio – carismatico Fréderic Antoun –, malconsiglia Desdemona – una Maria Agresta elegiaca e commovente, applauditissima –, e infine muove i fili della coscienza di Otello, riducendolo a maschera e ombra.

L’allestimento scenico (Keith Warner) è costruito su calcolate suggestioni minimaliste, fondate sulla dicotomia tra buio e luce: le scene (Boris Kudlička) sono poco più che un palcoscenico vuoto che quinte mobili incorniciano come diaframmi, mentre gli abiti di foggia squisitamente elisabettiana (Kaspar Glarner) sono nei gradienti del grigio e del nero. Al contrario quello di Desdemona – e tutto ciò che come lei è legato a Venezia – è bianco e brillante, d’un bianco che però solo nel primo duetto con il neo sposo è illuminato di armonia e calore, ma che ben presto si rattrista: il graduale intetrarsi della luce (Bruno Poet) è parallelo all’inarrestabile sgretolarsi della fiducia di Otello in lei e in sé stesso, all’assottigliarsi della sua volontà, al disvelamento del suo essere fragile. Ed ecco la chiave di lettura di quest’Otello: Kaufmann, privandolo del temperamento indomito dell’eroe, non l’ha però privato di mordente. L’ha invece liberato da ideali d’integrità morale e stereotipi di eroismo che tenderebbero altrimenti a inibire una lettura psicologica approfondita del personaggio nelle sue inclinazioni più umane. È un Otello la cui debolezza è stata l’incapacità di affrontare le insicurezze che l’amare porta seco, non l’amare – quello sì invece, autentico atto di coraggio.